Prosegue con successo la rassegna “Ostinati! 2011”, a cura del Centro d’Arte dell’Università di Padova. È in arrivo domani 15 aprile (cinema-teatro Torresino a Padova, ore 21) un doppio set concertistico che vedrà nella prima parte in scena il multi-strumentista Paolo Botti, seguito dall’Acoustic Trio del chitarrista Marco Cappelli.

Paolo Botti presenta un repertorio incentrato sul suo cd “Angels & Ghosts” (Caligola), rilettura originale di brani di Albert Ayler o ad esso ispirati. Botti traduce con finezza il mondo sonoro di Ayler riportandolo al blues originario, attraverso esecuzioni solitarie alla viola, al dobro, o al banjo e al mandolino. Il disco ha avuto un notevole successo critico, decretando il lavoro di Botti tra i più freschi attualmente in circolazione in Italia.

Paolo Botti ha una formazione accademica, sviluppata poi nel jazz e nel blues. Ha collaborato con Franco D’Andrea, Carlo Actis-Dato, Evan Parker, tra gli altri. Ha fondato e dirige proprie formazioni, di cui fanno parte elementi come Filippo Monico, Dimitri Grechi Espinoza, Salvatore Majore, Anthony Moreno.

Marco Cappelli è un chitarrista napoletano da diversi anni residente a New York. Entrato con forza nel giro delle musiche dell’avanguardia downtown e Brooklyn, Marco ha collaborato con artisti come Anthony Coleman, Butch Morris, Jim Pugliese, Marc Ribot, Elliott Sharp, Markus Stockhausen ed ha realizzato l’importante progetto “Extreme Guitar”, con brani di Ribot, Sharp, Yoshihide, Friedlander, tra gli altri, eseguito tra l’altro per il Centro d’Arte al Liviano di Padova nel 2004.

Il nuovo trio con Filiano e Takeishi si ispira ai racconti della scrittrice francese Fred Vargas e si è rodato in questi mesi nei club di New York ed ha inciso un cd per la Mode Records.

Ken Filiano è uno dei più attivi e versatili bassisti della scena newyorkese. Il suo lavoro si muove tra jazz, improvvisazione libera, musica scritta, world music, performance interdisciplinari. Ken guida un proprio quartetto e ha collaborato con una lista impressionante di musicisti: Bobby Bradford, John Carter, Vinny Golia, Joseph Jarman, Butch Morris, Carlos Zingaro…

Satoshi Takeishi è originario di Mito in Giappone. Ha studiato al Berklee College di Boston ed ha collaborato con Ray Barretto, Carlos ‘Patato’ Valdes, Eliane Elias, Dave Liebman, Anthony Braxton, Rabih Abu Khalil, Ned Rothenberg.

Dal 4 al 26 marzo il Centro Salvador Allende della Spezia ospita la mostra di Paolo Fiorellini Ecce homo, a cura di Mara Borzone. La fantascienza, o, piuttosto, i suoi personaggi, sono il linguaggio adottato da Fiorellini in questi lavori, l’inganno della tecnologia è l’idea di fondo; il titolo è la frase di Ponzio Pilato, con tutti suoi sottintesi.

Un artista, se è tale, cattura i segnali dal mondo esterno, e li rielabora. In qualche caso li anticipa, come in questa mostra di Paolo Fiorellini, pensata in tempi non sospetti, recenti eppure sostanzialmente tranquilli, e inaugurata durante una delle più complesse crisi che il Mediterraneo abbia mai visto.

Gli uomini di ferro di Fiorellini, giganteschi iron men, molto meno aggraziati e dinamici del protagonista del fumetto, evocano le mummie, fasciati in bende metalliche che ne impediscono l’identificazione, ma anche i guerrieri crociati nelle loro armature.

La recente, triste sorte di alcune mummie del Museo del Cairo, o le conseguenze delle Crociate, tutte da rileggere in chiave odierna, non sono che due delle possibili premonizioni di Fiorellini, o esempi della sua weltanschauung, una visione del mondo autonoma, pacata, distaccata, riflessiva e senza retorica.

Ecce homo non si esaurisce nei grandi uomini di ferro: una serie di stele provenienti dal futuro celebra altri archetipi di guerrieri, samurai o lunigianesi dell’età del ferro, persino una guerriera, cyborg che non esistono ancora.

Ai cyborg metallici è arrivato dopo una lunga sperimentazione sui materiali, iniziata con la pittura materica e proseguita con pesci/aerei in fil di ferro dentro piccole teche in vetro e metallo, colme di silicone trasparente. L’aspetto traslucido del silicone, attraente e insieme repellente, a contrasto con i bagliori del ferro spazzolato a mano, suggerisce tecnologie future, avanzate e, al tempo stesso, rabberciate, consunte e obsolete, ridotte a ex voto di un mondo che verrà.

Di lì sono nati gli ultimi guerrieri, sporchi di grasso nero come se venissero da un’altra galassia, corruschi e corrucciati; per farne risaltare i riflessi metallici, Fiorellini li ha collocati su un fondo di cemento, che assorbe completamente la luce e che, a sua volta, evoca panorami urbani degradati.

La ricerca di Fiorellini si muove dunque in ambiti diversi, dall’ecologia, che è anche stile e scelta di vita, alla coscienza civica – parlare di politica in senso stretto è riduttivo – al futuro, non facile, non gradevole, non rassicurante, alla religiosità, poiché di idoli si tratta. Caratteristiche comuni sono la manualità e la cura nell’esecuzione, mai troppo diligente, tuttavia riscontrabile nelle grandi opere come nei dettagli, nelle saldature come nei colpi di lima, nel progetto dell’installazione; Fiorellini ne è il regista, i replicanti metallici sull’attenti possono ricordare i guerrieri dell’esercito di Xian, ma sono allo sbando.

Paolo Fiorellini è nato a Sarzana (La Spezia) nel 1961, dove vive e lavora in un ex biscottificio. Nel 1985 ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Carrara. Inizialmente il suo lavoro artistico è stato caratterizzato da un linguaggio tra la figurazione e l’Espressionismo; dagli anni Novanta la sua pittura è approdata ad un gesto più informale e ricco di materia, quindi si è dedicato alla sperimentazione dei materiali, tra cui il silicone, nel quale ha spesso incluso elementi naturali (fiori, erba o pesci). Artista visivo poliedrico, spazia fra pittura, scultura, assemblage e performance, con esiti collocabili fra la Transavanguardia e le ricerche oggettuali più recenti.

Dopo l’appuntamento di Bologna (all’interno di “Arte e Scienza in Piazza™”), la mostra “Happy Tech” apre a Milano alla Triennale Bovisa dal 22 febbraio al 31 marzo.

Happy Tech è una grande mostra di arte e scienza realizzata dalla Fondazione Marino Golinelli in partnership con la Triennale di Milano, curata da Giovanni Carrada e Cristiana Perrella con la collaborazione di Silvia Evangelisti, arricchita nella tappa milanese di una sezione introduttiva dedicata ai precursori/visionari Bruno Munari, Pietro Fogliati, Nam June Paik e John Godfrey, artisti che nei decenni passati intuirono le potenzialità rivoluzionarie delle nuove tecnologie ma anche la necessità di non farsene sovrastare, intrattenendo con esse un rapporto giocoso, umanizzato, aperto all’utopia.

La mostra si propone di esplorare il lato positivo del rapporto uomo/tecnologia attraverso le opere di artisti di fama internazionale come Tony Cragg, Cao Fei, Martino Gamper, Rainer Ganahl, Candida Höfer, Alfredo Jaar, Thorsten Kirchhoff, Armin Linke, Vik Muniz, Mark Napier, Tony Oursler, Pipilotti Rist, Thomas Ruff, Tom Sachs, Bill Viola. Si tratta di opere ispirate a tecnologie “a misura d’uomo”, ovvero che estendono la nostra natura, permettono, abilitano, sviluppano e potenziano le caratteristiche,le capacità e le ispirazioni umane migliori.

JCE – Jeune Création Européenne. Biennale della giovane creatività europea.
Mettere in comunicazione sguardi e realtà diverse sul territorio della pratica artistica in Europa, ampliando in ogni edizione il network dei paesi coinvolti. Una biennale itinerante, residenze d’artista, mostre, incontri ed eventi per stimolare l’incontro tra artisti, pubblico, istituzioni e professionisti del mondo dell’arte.

Questi i propositi della rete JCE, nata a Montrouge nel 2000, proprio per promuovere la creatività giovane e la circolazione degli artisti a livello europeo. Dal 4 al 20 febbraio 2011 la Biennale fa tappa a Genova ed è ospitata nelle sale della Sala Dogana di Palazzo Ducale e del Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce.
La Biennale nasce per presentare la produzione artistica di 80 giovani artisti provenienti da 8 paesi europei, autori per la maggior parte “inediti” all’ambiente dell´arte contemporanea e selezionati da 8 curatori e critici della città ospitante.

Partita dalla città francese di Montrouge, per la quinta edizione approda ancora a Genova, città di riferimento per l’Italia del network europeo, che ha curato la selezione degli artisti italiani che partecipano alle 8 tappe della Biennale e ospita la mostra in esclusiva per l’Italia. Il gruppo degli 8 critici selezionatori è curato da Emilia Marasco, Docente ed ex Direttrice dell’Accademia Ligustica di Belle Arti e Sandra Solimano, Direttrice del Museo di Arte Contemporanea di Villa Croce, che è anche commissario artistico di questa esposizione, con il patrocinio del GAI – Giovani Artisti Italiani.

Gli artisti selezionati per l’esposizione italiana sono:
Francia: Odille/Alftan/Bellenger/Della Negra/ Kinoshita/Dorotte/Lelièvre/Lorenzi/Nogues/Porte/ Renaud / Roeskens
Lituania: Bru¿ila/Bumblienè/Bumblys/Liauksminas/Ŝeputis/Taraŝkevičiūtė/Treigys/Vainoraitė/Viningas/Żaltauskas
Slovacchia: Adamíková/Barto¿ová/Cernuŝák/Husáková/Lacko/Malis/Mrvová/Paŝtékova/Sedlácik/Ŝpirec
Ungheria: Albert/Budha&Tábori/Csiki/Hübler-Rácz-Szentirmai-Vági/Kiss/Kudász/Lénárd/ Papp/Steiner/Szabó
Austria: Fritzenwallner/Gruber/Guttmann/Lanner/Mühlfellner/Proschek/Resch/Rohrmoser/Schmirl/Wirnsperger
Italia: Aromando/Colombi/Depetris/Ferrari/Guizzardi/Lanzilotta/Panichella/Pulitano/Tortello/Vierin
Spagna: Alorda/Quer/De Mosteyrín/Ibaceta González/Fernández/Proyecto Ne_na/Pericàs/Prim González/Colomber
Portogallo: Caeiro/Costa/Fernandes/Hamrol/Lobinho/Maia/Nobre/Pentendo/Riberlo/Rodrigues Ribeiro.

Fino al 20 febbraio, Sala Dogana e Museo d’arte contemporanea di Villa Croce.
Per informazioni: GenovaGiovani6tu

Apre sabato 19 febbraio alle ore 19.00, presso lo Spazio Contemporanea del Museo di Fotografia Ken Damy a Brescia, la mostra “Massimo Minini. Una storia contemporanea”, da un’idea di Ken Damy, dedicata alle opere che negli ultimi 37 anni sono passate nell’omonima galleria.

Aperta a Brescia con nome BANCO, in via Antiche Mura 1 nel 1973, in uno spazio offerto da Enrico Pedrotti, allora ultima nata tra le tante gallerie presenti in città, oggi la galleria Minini si trova ad esserne la decana tra le sue nuove colleghe, in una città come Brescia che ha sempre avuto un occhio attento per la contemporaneità da parte dei privati e poca attenzione da parte delle varie amministrazioni succedutesi alla guida della città: un tratto comune e trasversale d’indifferenza che ha unito idealmente destra, centro e sinistra.
In questo panorama l’attività svolta da Massimo Minini e dalla sua galleria è stata importante, e lo è ancora, per portare da un lato il nome di Brescia nel mondo e per portare, dall’altro lato, il mondo a Brescia. Parliamo del mondo dell’Arte che Minini ha fatto apparire nei suoi quattro spazi di via Antiche Mura (1973/74), via Agostino Gallo (1974/75), via Fratelli Bandiera (1975/78) e poi via Apollonio dal 1979, dove tutt’ora risiede in una sede da poco ampliata, di circa 700 mq.
Un grande spazio dove oltre alle mostre è consultabile un enorme archivio di libri, dove studenti approdano per le loro tesi e ricerche, dove si tengono incontri e dibattiti, dove la sala maggiore viene spesso prestata per incontri d’arte e architettura.
In questa ottica la galleria Minini si è posta fin da subito come un luogo aperto alle ultime ricerche; uno spazio neutro e non una galleria di tendenza, aperto a pittura, scultura, installazioni, video e fotografia.
Di qui sono passati molti mostri sacri dell’arte internazionale di questi ultimi quarant’anni: da Boetti a Fabro, da LeWitt a Cattelan, da Beecroft ad Accardi, da Paolini a Dan Graham, da Kapoor a Sottsass.
Tutti sono venuti a Brescia più volte a discutere, preparare, installare i propri lavori.
Caratteristica della galleria Minini è quella di lavorare in diretta con gli artisti, non solo esponendone le opere. La pubblicazione di libri e cataloghi è parte integrante di questa passione; la costruzione di un enorme archivio di libri e documenti è un’attività collaterale necessaria a sostenere e fondare l’immagine di uno spazio operativo e culturale che ha l’ambizione di andare oltre il mercato.
La mostra propone opere passate in galleria in questi lunghi anni e qui in parte richiamate per illustrare un percorso iniziato con l’Arte Povera (Giulio Paolini, Alighiero Boetti, Luciano Fabro, Giorgio Griffa, Salvo…), con l’arte Concettuale (Ian Wilson, Dan Graham, Hamish Fulton, Robert Barry, Victor Burgin), con l’Arte Minimal (Sol LeWitt,) e con giovani Italiani (Alberto Garutti, Michele Zaza, Francesco Clemente). Percorso proseguito aggiungendo man mano giovani che diventeranno importanti come Maurizio Cattelan, Anish Kapoor, Vanessa Beecroft, Nedko Solakov. Infine è arrivata la Fotografia sia con la collezione di UAI (di cui una piccola parte è qui visibile) sia con le personali di Ettore Sottsass, Luigi Ghirri, Gabriele Basilico, Elisabetta Catalano, Paolo Mussat Sartor, Mario Cresci, Mario Dondero, Paul Thorel, Franco Piavoli…
Dal 19 febbraio al 16 aprile 2011, Museo di Fotografia Ken Damy, spazio Contemporanea, corsetto sant’agata 22, Brescia.

L’associazione culturale L’Eptacordio presenta giovedì 23 dicembre ore 21,00 al Teatro Club, via Roma 257 a Cagliari, lo spettacolo teatrale di Teatro S’arza “Tzia Birora”, con Paola Dessì.

Dalle parole del regista Romano Foddai: “Il personaggio di Tzia Birora è estratto da un omonimo racconto popolare sardo tratto da una raccolta di Grazia Deledda. Lo spettacolo è un lavoro sulla memoria: memoria personale, memoria storica e memoria etnica…. Il linguaggio è puramente gestuale e poggia su musiche che scorrono… Volutamente non sono usate parole… La voce è usata nei canti tradizionali o nei suoni inventati. Gli oggetti di scena sono antichi, così come i costumi e appartengono alla tradizione popolare sarda…. La rielaborazione narrativa e la drammaturgia emergono da un’idea registica che è diventata racconto sul tema della identità di un popolo.”

Il “Convivio” è l’offerta di un banchetto, o meglio un rinfresco, di arte e cultura, affiancato dalla degustazione di semplici cibi e bevande, per sottolineare la intrinseca qualità umana dell’espressione artistica e per stimolare la natura conviviale dello scambio di esperienze e di suggestioni. Iniziativa dell’Associazione Culturale L’Eptacordio e realizzata con il contributo dell’assessorato alla Cultura della Regione autonoma della Sardegna, Convivio è giunta quest’anno alla sua seconda edizione, che si svolge dal 24 al 29 giugno, presso il Teatro Club di Cagliari.

L’iniziativa riunisce in un piccolo spazio teatrale per sei giorni di seguito, gli autori, gli attori e i registi che dopo aver presentato i loro spettacoli si confrontano col pubblico in una dimensione conviviale.
Le compagnie invitate a partecipare al Convivio presentano diverse visioni di espressione teatrale, per offrire al pubblico una gamma variegata delle diverse ricerche espressive in cui sono impegnate, attualmente, realtà artistiche semi nascoste o comunque poco evidenziate nel panorama teatrale sardo e italiano.
Durante tutto il “Convivio” rimarrà esposto un allestimento fotografico di Gisella Congia sulla prima edizione della rassegna.
Il primo appuntamento è per il 24 e 25 giugno, con una co-produzione L’Eptacordio e Entrambe: “Il Dominio”, studio scenico su “Soziologie der Ueber- und Unterordnung” di Georg Simmel, frammenti di testi tratti da G.Simmel, J.P. Sartre, P.P.Pasolini, C.Pavese, H.Miller e musiche da Frank Zappa, Gong, Nicola Tognoni. Con Virginia Galli, Luca Gradella e Nicola Tognoni. Regia di Giuseppe Boy.
Gli altri appuntamenti:

26 giugno ore 21
SOGNA CHE TI PASSA!!!
Con Giulia Ledda, Alice Pittau, Daniela Pulisci.
Regia di Ilaria Nina Zedda
Produzione L’Aquilone di Viviana

27 giugno ore 21
MELOPEA DELL’ETERNO RITORNO
Di e con Andrea Meloni
Produzione Compagnia d’Arte Circo Calumet

28 giugno ore 21
ALABASTRAI
Di e con Gianni Calastri
Produzione Teatro di Nascosto- Hidden Theater (Volterra)

29 giugno ore 21
LORCA ERAN TODOS vita, sogni, maschere, morte di Federico Garcia Lorca
Di e con Roberta Secchi
Guida registica di Torgeir Wethal
Produzione Teatro La Madrugada (Milano)

Chi è Luther Blissett? È un collettivo di scrittori. Per la precisione era un collettivo di cinque scrittori, che adesso si chiama Wu Ming e recentemente ha perso un membro.

Chi è Q? Un uomo, forse due, lo spirito dei tempi e il fluire della storia.

Q è anche il titolo di questo lungo romanzo storico, fra i primi in Italia ad esser stati editi sotto licenza Creative Commons.

La vicenda si snoda in un momento fondamentale della storia d’Europa, i quarant’anni fra il 1518 e il 1555, fra la Germania della Riforma e del fervore religioso e l’Italia della Controriforma. Un racconto affascinante, martellante, che costringe il lettore a seguire il protagonista (un eroe fortunato, buono e pure piuttosto bello) attraverso avventure incredibili ma sempre storicamente verificate.

La precisione storica è una delle prime caratteristiche che saltano all’occhio. Insieme a questa è impossibile non notare la cura linguistica nella caratterizzazione dei personaggi e dell’ambiente, con una particolare attenzione verso gli strati bassi della popolazione, che vengono resi attraverso una lingua tanto viva da risultare brutale.

Sembra però, arrivati quasi in fondo al volume, che l’attenzione per il livello linguistico ceda il passo al gusto per la tensione, all’attesa bruciante per l’incontro (e lo scontro) finale fra il protagonista e il suo alter ego. Si tratta di dettagli che comunque non guastano il fluire della narrazione e che purtroppo fanno da eco ad altri luoghi non perfetti del libro; per esempio, in alcuni momenti, la finzione è indebolita dai resoconti degli eventi storici che fanno da sfondo al racconto: seppure inseriti nei discorsi dei personaggi talvolta lasciano intravedere fin troppo spiegazione puntuale, quasi scolastica – d’altra parte è una necessità narrativa certamente difficile camuffare sempre con abilità.

Questi i dettagli che impediscono a Q di ambire al titolo di capolavoro, ma possiamo chiamarlo senza fatica un ottimo romanzo storico che non rinuncia (come nella migliore tradizione di questo genere) a dialogare col presente, con i suoi problemi e contraddizioni. Resta la curiosità di scoprire come questo dialogo col presente, da sempre di centrale importanza per i Wu Ming, venga sviluppato nel romanzo che prosegue questa storia, quasi una “seconda puntata” uscita recentemente: Altai.

Luther Blissett

Q

(Einaudi, 2000)

In virtù del suo essere un linguaggio nuovo e non ancora rigidamente codificato, il cinema ha molto affascinato i futuristi. Sebbene a questo interesse non abbia corrisposto una produzione né ricca, né particolarmente pregevole, le sperimentazioni futuriste hanno saputo tuttavia influenzare profondamente il cinema delle avanguardie primo novecentesche, da quello espressionista e astratto tedesco, al cinema cubista, dadaista e surrealista francese, fino al cinema russo d’avanguardia. Per questa ragione, nel calendario di Futuroma, manifestazione che a partire da oggi 20 febbraio celebrerà il centenario dalla nascita del Futurismo, non potevano mancare alcune interessanti iniziative dedicate proprio al legame fra cinema e futurismo.

Palazzo delle Esposizioni dedicherà alcuni approfondimenti proprio a questo tema, proiettando pellicole futuriste e documentari legati ai temi della mostra “Futurismo. Avanguardia-Avanguardie” alestita alle Scuderie del Quirinale (20 febbraio – 24 maggio 2009). Nella Sala Cinema, in particolare, saranno proiettati due filmati in anteprima. Il 21 febbraio il documentario inedito Sulle tracce del Futurismo, restaurato dall’Archivio Carlo Erba di Roma a cura di Marco Rossi Lecce e di Francesca Franco. Il 6 marzo sarà la volta di Thaïs, pellicola del 1917 del regista Anton Giulio Bragaglia, con scenografie di Enrico Prampolini, la cui proiezione sarà accompagnata dalle musiche dal vivo del maestro Sylvano Bussott. Il 5 aprile, invece, l’Auditorium ospiterà un omaggio a Luigi Russolo, autore di colonne sonore per il cinema d’avanguardia, con la proiezione di La marche des machines (1928), Les nuits électriques (1928) e Montparnasse (1919) regia di Eugène Deslaw.

FUTUROMA
Celebrazioni per il Centenario del Primo Manifesto Futurista
20 febbraio – 16 maggio 2009
www.zetema.it
Questo il calendario completo delle iniziative: Futuroma.pdf (1,41 Mb)

Un omaggio a Karlheinz Stockhausen: è quanto organizzato dall’Associazione Mu.E.S.Li (Musica Elettronica e Sperimentale Livorno) per questa sera, sabato 16 febbraio 2008 alle ore 22, presso lo Spazio Giovani Fuoricentro a Livorno. “Omaggio a Stockhausen” è un’interessante conferenza, con l’intervento di esperti ed ascolto guidato delle musiche di uno dei più importanti compositori del secondo novecento, scomparso il 5 dicembre 2007: la sua opera, che ha seguito un profondo e complesso percorso creativo, ha in qualche misura influenzato quasi totalità delle avanguardie europee, fin dai tempi della direzione dello studio di musica elettronica di Colonia (1963) e soprattutto dei celebri corsi estivi di Darmstadt (1957). Segue il programma dettagliato dell’incontro di Livorno.

Mu.E.S.Li
«Omaggio a Stockhausen»
Sabato 16 febbraio, ore 22
Spazio Giovani Fuoricentro, via grotta delle fate 19 (ex Spica) Livorno.
Ingresso a pagamento.

Programma
- Ingresso del pubblico: diffusione del Saluto di Giovedì – 12′ ca.
1. K. Stockhausen: Studio II (ascolto-relazione): versione originale, ricompilato con Csound e con Max; relatori: Tommaso Dini e Marco Liuni – 15′ ca.
2. «La musica elettronica di Stockhausen» (relazione): relatori Marco Liuni – 15′ ca.
3. «Tecnica compositiva e Formula in Stockhausen» (relazione-ascolti): relatore Fabio De Sanctis – 20′ ca.
4. K. Stockhausen: Musica Intuitiva (performance a cura del Mu.E.S.Li e di Marco Lenzi); introduzione di Marco Lenzi – 20′ ca.
- Uscita del pubblico: diffusione del congedo di Giovedì

- Sound Review, Mu.E.S.Li