di e con Filippo Timi

con Lucia Mascino e Luca Pignagnoli

durata: 2h 20′ con intervallo

Reduce dalla performance sui palcoscenici della Liguria (prima Genova, al Teatro dell’Archivolto lo scorso 25 e 26 gennaio, poi alla Spezia il 28 e 29), Filippo Timi prosegue la tournée teatrale del suo ultimo, sorprendente spettacolo en travesti, Favola. Il tour, giunto ormai al termine, approda oggi in Piemonte (TO), dove resterà fino al prossimo 5 febbraio.

Il giovane attore perugino, astro del teatro e cinema “made in Italy”, mette in scena e dirige (disegnandone anche la sceneggiatura) questo spettacolo ambientato negli anni ’50, la storia di una bambina, che c’era, “e dico c ‘era perché adesso non c’è più”, come recita il sottotitolo della pièce. Timi si “traveste”, o meglio “diventa” (come ha precisato lui stesso nell’intervista rilasciata ai fan genovesi lo scorso 25 gennaio presso le librerie Feltrinelli di via Ceccardi) per l’occasione la bella, provocante e piuttosto svampita Mrs. Fairytale, classica desperate housewife anni ’50. Assieme a lei, la fedele compagna di avventure Mrs. Emerald, interpretata da Lucia Mascino, che, tra confidenze tra donne, provocazioni e divertenti sketches, da vita ad uno spaccato di storia di emancipazione e, al contempo, di sottomissione femminile. A fare da contraltare, il giovane e bravo Luca Pignagnoli interpreta diversi personaggi maschili, stereotipi -anch’essi come le due fammes fatales- di un uomo ora virile e sicuro, ora nerd alla Steve di “Otto sotto un tetto”.

A metà tra le atmosfere pulp stile Chuck Palahniuk, o un romanzo di Aldo Nove, o un b-movie alla Tarantino, con un tocco di ktisch patinato e “paillettoso”, come nella peggiore tradizione da soap-operas, Favola è una piccola chicca teatrale, che si regge tutto sulla bravura dei protagonisti, magistrali nelle loro interpretazioni, coinvolgenti, brillanti. Timi, da maestro qual’è, fa scuola agli altri due giovani attori, e li trascina in un vortice di esilaranti improvvisazioni, in giochi di ripetizioni infinite, dilatazioni spazio-temporali. Le risate sono assicurate. E sono bene accette proprio perché, dietro l’apparente insulsa vuotezza di una comicità bassa e facile, si cela un intimismo profondo, una riflessione contrita, personale. Tanti gli spunti offerti da Timi, tantissimi. Per farla breve: il ruolo della donna e la sua dura lotta verso l’emancipazioni da assurde situazioni familiari e da violenze gratuite, prima dei “padri”, poi dei mariti; lo sdoganamento dell”‘eterno femminino”; il tradimento; l’amore omosessuale maschile, poi femminile, fino alla perdita dei confini a favore del raggiungimento di una “panta-sessualità”. Non a caso Timi (vere le presunte voci sulla sua omosessualità?) è ormai l‘idolo conclamato della comunità di gay e trans nostrani riuniti. Come dargli torto.

Una nota a parte meritano scenografia e costumi: suppellettili e arredi voluti dal regista-attore-tuttofare rigorosamente in rosa salmone e verde salvia. Tra i costumi, tutti retrò, anche quello di Grace Kelly in “La finestra sul cortile”. Vintage anche le canzoni, di Doris day.

Shame

drammatico

durata 99 min.

Gran Bretagna 2011

Bim Distribution

di Steve McQueen

con Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Hannah Ware

Finalmente approdato anche nelle sale italiane il film Shame del regista britannico Steve McQueen. Niente a che fare con la celebre icona anni ’60-’70, il regista britannico Steve McQueen, grosso omone nero già regista di Hunger, ci regala questa chicca cinematografica, che ha lasciato senza parole il pubblico di Venezia. Nelle sale dallo scorso 13 gennaio, il film annovera un cast di artisti di talento, dal conclamato Michael Fassbender (recentemente nei panni di Mr. Rochester in Jane Eyre) alla giovane e brava Carey Mulligan (qualcuno la ricorderà in Never let me go di Mark Romanek).

McQueen, questa volta, racconta la storia di Brandon, trentenne apparentemente realizzato, che vive in realtà un rapporto morboso con il sesso, ai limiti della patologia, e non è in grado di avere una relazione sentimentale. Una bella casa nel cuore di New York, un buon lavoro, amici, donne, fascino, successo non bastano a colmare un bisogno spasmodico di qualcos’altro, qualcosa di più, cui Brandon cerca di supplire con esperienze sessuali estreme, trasgressione, porno-dipendenza. Il meccanismo già labile si inceppa all’arrivo di Sissy, sorella di Brandon, che irrompe nel suo appartamento e nella sua vita: giovane e fragile versione dello spavaldo Brandon, Sissy costringerà il fratello a fermarsi. E riflettere.

Trama scarna, musica da classica a elettronica, inquadrature ferme e precise, punti di vista insoliti. Così, all’insegna dell’essenziale e con un gusto minimal McQueen pensa e realizza il suo film. Un film che parla di malessere, dipendenza, overdose, assuefazione di chi, come Brandon, è stufo di avere tutto e di potersi permettere qualsiasi cosa. Vivere senza emozioni, allenandosi talmente tanto nell’esercizio del distacco da aver dimenticato come si fa a provare dei sentimenti, ad abbracciare, ad uscire fuori a cena. Shame è la storia dell’imbarazzo di un uomo e di una giovane donna che, in modi opposti ma alla fine forse simili, non sanno gestire i propri sentimenti, per eccesso o per difetto. E’ la storia di chi ce l’ha fatta (o crede di avercela fatta) a diventare qualcuno nella metropoli e di chi, invece, vuole “make it there”, come canta Sissy in una sequenza intensa e priva di significati, che sembra unire i due protagonisti con un filo doppio.  Molta la nudità, soprattutto di Fassbender, che sembra esprimere più che altro un disagio esistenziale: dalla nudità fisica, forte, dura, aspra, alla nudità emotiva, di quei sentimenti che sembrano, pian piano, riemergere dagli abissi in cui erano stati sepolti. Inutile negare che la sessualità, filo conduttore di tutto il film, è presente dall’inizio alla fine. Troppo? Forse. O forse no: senza l’estremismo di certe situazioni, il film non avrebbe lo stesso impatto, la stessa forza. McQueen invita ad andare oltre.

Shame è un film che taglia, rompe, pizzica, lacera la pelle. Fa male. Grida disperato.

Signorina Giulia

di August Strindberg

versione italiana di Valter Malosti

con Valeria Solarino (Signorina Giulia), Valter Malosti (Giovanni), Federica Fracassi (Cristina)

Genova. Valeria Solarino porta in scena al Teatro della Corte La Signorina Giulia, spettacolo tratto dalla tragedia in atto unico del 1888 di August Strindberg, Fröken Julie. Le rappresentazioni, che hanno avuto inizio lo scorso martedì 17 gennaio e proseguiranno fino a domenica 22 gennaio, hanno finora riscosso alto successo e la Signorina Giulia della Solarino sembra essere stata molto apprezzata dal pubblico genovese.

La tragedia di Strindberg si svolge nella Svezia conservatrice di fine ’800, precisamente durante la “Midsommarnatten”, la notte di mezza estate, che -si pensi a Shakespeare- occupa tanta parte dell’immaginario dei paesi del nord Europa: tradizione vuole che durante questa notte dedicata a San Giovanni, si cada preda della voluttà dei sensi e ci si abbandoni a scatenamenti orgiastici. È in questa notte magica che la contessina Giulia, la padrona, e Giovanni, il servo di suo padre, varcando la soglia della distinzione di classe e, andando contro al perbenismo imposto dalla retriva società svedese dell’epoca, si abbandonano al piacere, superando la consueta distinzione tra uomo e donna, servo e padrona, ritrovandosi preda di un vorticoso gioco un po’ perverso, in cui tutti i ruoli sembrano invertirsi in modo inverosimile e paradossale. Sconvolgimento dei ruoli ed esperienza del diverso, dunque. Con tanto di discesa agli inferi. Il tema della discesa di Giulia è costante (scende nella cucina, regno sprofondato della servitù, dove ha luogo tutta la tragedia, compreso l’epilogo tragico, e discende nel sogno, richiamata da una forza che la attira verso il basso, cui non sa resistere). Ella scende fisicamente, recandosi nella “funesta” cucina, e metaforicamente, poiché desiderosa di contravvenire alle regole imposte, spogliandosi dei suoi abiti nobili e mischiandosi alla servitù. A fare da contraltare alla discesa c’è, dall’altro lato, il movimento in senso opposto, verso l’alto, che caratterizza il personaggio del servo Giovanni: opportunista sfacciato, Jean brama con cupidigia ossessiva la scalata sociale e sogna di arrampicarsi su un albero, sempre più su, fino a raggiungerne le vette più alte.

Valeria Solarino, attrice nata artisticamente alla Scuola dello Stabile di Torino (dove lo spettacolo è stato presentato in anteprima assoluta lo scorso 11 gennaio) e di ritorno a teatro dopo i successi cinematografici (La felicità non costa niente, Fame chimica, Manuale d’amore, e molti altri, fino al più recente Ruggine, del 2011, al fianco di Filippo Timi, Stefano Accorsi e Valerio Mastrandrea) interpreta una Giulia che diventa, in linea con gli intenti strindberghiani, una giovane donna in biblico spregiudicatezza ed isteria. Proprio l’autore del dramma, infatti, “ispirato” da un esperimento di ipnosi cui aveva assistito a Parigi presso l’ospedale della Salpêtrièreaveva, aveva voluto da subito una Giulia che andasse oltre, nevrotica e isterica, che scandalizzasse. E non è certo casuale che proprio con una singolare seduta di ipnosi, cui l’autore invita a partecipare tutta la comunità degli spettatori, si chiuda tragicamente la parabola della signorina Giulia. Valter Malosti, regista e attore a fianco della Solarino nel ruolo del servo Giovanni, riesce abilmente a dare rilievo ai temi e alle atmosfere nordiche, comuni alla tradizione di Strindberg e Ibsen, e ad interpretare un Giovanni spregiudicato, a tratti romantico, a tratti di un’inquietante malvagità. Bravissima anche Federica Fracassi nei panni di Cristina, cuoca legata sentimentalmente a Giovanni: espressiva e verace, nei panni della popolana povera ma dignitosa, con uno spiccato accento tra il bresciano e bergamasco, a sottolineare la provenienza dagli strati più bassi e la mancanza di istruzione.

Al rispetto della migliore tradizione del teatro scandinavo, Malosti affianca elementi palesemente innovativi e moderni: tutta la pièce si svolge nell’ambito di una scenografia (voluta da Margherita Palli) povera ed essenziale, quasi scarna, sempre uguale e claustrofobica. In questa sorta di gabbia, con antri che accolgono i protagonisti sempre più in basso, nel ventre del palcoscenico, “Malosti e la Solarino si scatenano in un gioco ritmato da musiche techno che sembrano alludere al tonfo inarrestabile di un cuore impazzito.” (La Stampa)

Piombino, via Stalingrado, stabilimento siderurgico Lucchini-Severstal; è questa la sede dell’affascinante e diabolica macchina sforna soldi e miseria che con i suoi trucioli, le sue esalazioni tossiche e la palude infestata di vita e morte, incombe sul panorama come reale protagonista.

In lontananza, sullo sfondo, sono energicamente portate avanti dalla Avallone le ordinarie storie intrecciate delle tante marionette dimenticate dal mondo.

Sono vecchi e grassi pensionati con occhi dimentichi di qualsiasi innocenza che osservano carne giovane e fresca forse esposta più del dovuto; sono operai stretti nella logora tuta blu da lavoro, sporca di sudore e rimpianto; sono madri e mogli che hanno perso il sogno di essere donne; ma sono soprattutto giovani ragazzi scaraventati nel mondo adulto a calci e schiaffi, la cui sola speranza per il futuro prende le forme di un’isola che non è quella lontana e irraggiungibile delle favole, ma quella che si staglia e risplende non lontano tra i fumi e i gas di una ciminiera ancora legata al presente.

Anna e Francesca, Sandra e Rosa, Enrico e Arturo, Alessio e Cristiano, Nino e Massi in una spirale di personalità che si odia e si ama, che si perde e si ritrova: unico appiglio su cui poter fare affidamento sembrano essere proprio quei gatti, anche loro d’acciaio, che sai di trovare, unica costante, nonostante tutto.

Spostamenti forzati di popolazione che toccano da vicino anche la componente italiana dell’Istria, di Fiume e della Dalmazia: uomini e donne chiamati a vivere la dolorosa esperienza dell’esilio, diventando protagonisti di un esodo che, snodatosi per oltre un decennio, si intreccia in una maglia fitta con quanto avviene nel resto del continente.

Analizzare il caso giuliano-dalmata nel quadro dei grandi spostamenti di popolazione che segnano la fine della seconda guerra mondiale è particolarmente efficace per illustrare pagine della storia europea lasciate ai margini della conoscenza nei media e nei libri di scuola. Viceversa tali fenomeni, con il loro riprodursi costante nei contesti di crisi e nelle zone contese, rimandano al sistematico agire di politiche e culture legate alle ingegnerie sociali del Novecento, ancora oggi operanti. Una visione questa ampiamente rappresentata nelle pagine del volume, attraverso il confronto tra studiosi di storia e insegnanti di varia estrazione, legati agli Istituti storici della Resistenza e a Enti di studio espressione del mondo dell’esodo.

A “La CasaMatta” di Massa (MS) il 19 gennaio 2012 Giuseppe Boy porta le sue “Poesie Sparse”: lette, recitate, interpretate e suonate, diffuse nell’aria.

“Poesie Sparse” è uno spettacolo- non spettacolo, una serata di poesie e musica da condividere in ambienti ristretti, familiari, caldi. Per questo Giuseppe Boy ha pensato di portarlo non solo in piccoli locali pubblici, ma anche direttamente nelle case, accompagnandolo con un rinfresco o un aperitivo o una cena, in modo da creare una serata particolare, rivolta verso la condivisione delle emozioni e delle suggestioni che le poesie provocano e unita al piacere di stare insieme.

Le poesie sono di autori diversi, conosciuti o sconosciuti, provenienti da paesi diversi in epoche diverse, da Giacomo Leopardi a Dino Campana, Majakovskij,Neruda, Prévert, Pasolini, Hikmet, Bukovski, Merini, Dickinson e altri. Giuseppe le raccoglie, le legge, le dice, le canta, alcune le suona, accompagnandosi con la chitarra.

E poi ci sono le “Poesie a Richiesta”. Ognuno può portare una o più poesie, scritte in modo leggibile, che vorrebbe sentire letta a voce alta. Tutti potranno sentire, tramite la voce dell’attore, le loro poesie preferite, o anche quelle che hanno scritto senza aver mai avuto il coraggio o l’occasione di leggerle in pubblico. Lo spettacolo a volte è arricchito dalla partecipazione di occasionali ospiti musicisti.

Sulla pagina Facebook di Giuseppe, o su quella di Poesie Sparse si possono controllare le date degli appuntamenti “pubblici” o prendere accordi per quelli “privati”.

Eppure, leggendola ancora oggi la vicenda non smette di rappresentare quella condizione che i giovani, cuore palpitante di ogni società, condividono con il proprio io: la perfezione, la luce, la bontà che gli altri si aspettano e che noi vorremmo avere e dare, convivono e si scontrano con l’altro lato, oscuro, dell’anima.

Ed è così che l’autore personifica le due componenti in perenne scontro dentro ognuno: bene e male, Demian e Kromer, destinati non per tutti, a fondersi in un perfetto e mistico equilibrio che può rivelarsi solo nel disegno tracciato nella confusione di un istante: “l’uccello lotta per uscire dall’uovo. L’uovo è il mondo. Per nascere devi distruggere un mondo. L’uccello vola a Dio. Il nome del Dio è Abraxas”.

La polarità, la scissione, il contrasto più intimo sono i veri personaggi di questo romanzo arrivato, probabilmente senza volere, ad un tale livello di esemplarità e raffinatezza psicologica da esser stato definito “piccolo capolavoro” da quel Thomas Mann che, dopo averlo letto, fu costretto a revisionare tutto l’impianto psicanalitico dell’allora in fieri Der Zauberberg.

“L’amore non era più l’oscuro istinto animale che nella mia angoscia mi era parso da principio, né era la pia e spirituale adorazione che avevo avuto per Beatrice. Era l’uno e l’altra, era più ancora, angelo e Satana, uomo e donna insieme, umanità e bestialità, supremo bene e male estremo”.

drammatico

durata:94min.

Italia 2011

01 Distribution

di Giuliano Montaldo

con Pierfrancesco Favino, Carolina Crescentini, Eduard Gabia, Elena Di Cioccio, Elisabetta Piccolomini

È l’attesa ad aprire il sipario della storia: il generale sta predisponendo ora tutta la sua vita nel compimento di un istante che ha aspettato per ben quarantun anni; il momento è arrivato e per lasciare anche il lettore ancora un po’ anch’egli sulle braci, si racconta della vita e della giovinezza di due uomini, due amici, assai diversi ma uniti da quell’amore fraterno che unisce gli opposti e li lega da un patto stipulato solo nella coscienza.

Allora il patto venne meno per un motivo che l’amico Konrad conosce, Ninì conosce, Krisztina conosce, ma soprattutto il generale conosce, un motivo che aleggia fra i personaggi ma non si insinua sulle loro bocche se non nel finale che, come in un crescendo continuo, lascia con il fiato sospeso fra l’aspettativa di una vendetta e il desiderio di un perdono.

Le braci, capolavoro e specchio del primo Novecento, regalano agli occhi di chi sa apprezzare una scrittura riflessiva, profondi e sinceri pensieri sull’amicizia, sulla lealtà e sull’amore: «quando il destino, sotto qualsiasi forma, si rivolge direttamente alla nostra individualità, quasi chiamandoci per nome, in fondo all’angoscia e alla paura esiste sempre una specie di attrazione, perché l’uomo non vuole soltanto vivere, vuole anche conoscere fino in fondo e accettare il proprio destino, a costo di esporsi al pericolo e alla distruzione».

La Baistrocchi, mitica compagnia goliardica genovese

Anche in Si fa ma non si dice (spettacolo di due ore che, dopo la permanenza al Politeama approderà al Teatro Govi di Genova-Bolzaneto), per non tradire la consuetudine Bai, ad essere presi di mira sono i politici locali (la sindaco Vincenzi, il presidente della giunta della Regione Liguria Burlando, ecc), le istituzioni (imprenditoria, sport, ecc.), senza risparmiare la comunicazione (i giornali e le televisioni) e, più in generale, tutto il sistema del potere e della cultura ufficiale, facendo, nei casi più fortunati, nome e cognome del malcapitato di turno e, in quelli più sfortunati, mettendone in scena una vera e propria parodia con stilemi che ricordano quelli di Oreste Lionello e Leo Gullotta. Particolarmente gradevoli, gli intermezzi ballati dei giovani studenti che, con bravura ed auto-ironia, intrattengono il pubblico con can-can, parodie di balletti classici, rap, balli sudamericani, ecc.

Con ironia e uno sense of humor un po’ spiccio e sempliciotto, con battute a volte un po’ datate che puntano alla risata facile, il teatro dei baistrocchini chiama il pubblico a sé e lo incita a partecipare, a far sentire la propria voce. Bando al “siete pregati di spegnere i telefoni cellulari”, gli spettacoli della Bai interagiscono col pubblico in sala, ascoltandone le battute, commentandone gli interventi, invitando signori e signore sul palco per “giocare” con loro. Come nella migliore tradizione del teatro elisabettiano di Marlowe e Shakespeare, perchè no.

Inoltre, importantissimo ricordare l’impegno civico della compagnia la quale, dal 1976, ha scelto di devolvere in beneficenza il ricavato dei suoi spettacoli. Attraverso l’associazione benefica “Giovanni Borghi”, infatti, la Bai ha collaborato all’acquisto di strutture e mezzi per diversi istituti e dato un apporto per incentivare la ricerca su malattie.